時間：2025年11月16日（日）16:00 - 18:00

地點：臺北文創大樓14樓文創會所

口譯：錢佳緯、鄒德平

文字紀錄：陳家儀、郭子榮
攝影：桑道仁

大家好，今天介紹我們如何製作《喵的奇幻漂流》，以及它背後的故事。先簡單自我介紹，我在拍攝《喵的奇幻漂流》之前拍過七部短片，其中兩部是手繪動畫，一部真人實景短片（Live Action Short Film），接著轉向3D及CG動畫，後來就拍攝《喵的奇幻漂流》等兩部長片。七部短片大多是我在高中時做的，所以有點粗糙、不夠細膩，但那是我的創作旅程。我其實沒有念過正式的電影學校，而是透過製作短片來學習。我嘗試過不同的技術，發現自己不太擅長畫畫，所以放棄手繪動畫。如果我的手繪技巧好一點，一定會去做手繪動畫。我也嘗試拍過真人實景短片，但感覺很多事情沒有辦法依照我的想法去掌控，加上當時幾乎沒有什麼資源，沒有專業演員，覺得有點沮喪。其實我喜歡掌控一切，但同時也想要真人實景電影的那種自然感，像是偶然的瑕疵或令人驚喜的意外，動畫基本上無法做到，只能透過人為製造出來。我的目標就是讓電腦動畫也能呈現某種不完美、原始、甚至有點不可預期的感覺，所以我把在不同技術裡學到的元素，結合在CG動畫裡，我喜歡讓它有點風格化、表現性，類似手繪才能做到的效果；我也希望使用不同的運鏡方式，例如手持鏡頭或彷彿有真人在掌鏡，我把這些經驗都融合在一起。

簡報上是幾部我的動畫短片，這些作品在網路上都看得到，不過面對這些舊作，我都會有點不好意思，因為大部分是我高中時做的，但它們對我來說意義非凡。而且我反而從自己最不喜歡的作品裡學到最多，學得最扎實的就是那些犯錯換來的經驗，這些教訓比單純閱讀技術理論來得深刻。我覺得儘量多拍非常重要，而且拍短片有更多自由去實驗，可以嘗試不同做法，也比較沒有那麼多壓力要去顧及受眾，在那個階段純粹是為了自己而做，探索自己的表現方式，從中發掘自己的優缺點。

以長鏡頭創造沉浸感，無對白讓敘事更有電影感

首先介紹短片作品《Aqua》，它是《喵的奇幻漂流》的前身，故事基本上是在講一隻怕水的貓，沒有太多其他角色，稍後我會談到如何把它擴展成長片。這部短片的視覺風格也跟《喵的奇幻漂流》截然不同，當時我深受使用快速剪接的電影人所影響，所以我會用比較長的鏡頭，並進行快速的剪接，我真的很佩服能運用這種技法的導演。但我後來感覺這可能不是我擅長的，或者說做起來我不喜歡。後來我拍了《Priorities》，這是我的第一部CG動畫片，使用比較長的鏡頭。作品九分鐘長，但只有四個鏡頭，平均一顆鏡頭兩到三分鐘，我覺得這只能用CG做到，手繪動畫在鏡頭運用上會比較受限。我發現這種運用方式讓我如魚得水，覺得很自然、很舒服，原因是它能創造一種沉浸感，讓觀眾感覺一同置身在角色的世界裡，同時也創造出一種「真實時間」的感受。雖然透過剪接，時間可以被延伸或被壓縮，但以「真實時間」呈現，能夠帶來一種我一直努力追求的親密感。

在《Priorities》中有一個狗的角色，你可能會注意到牠跟《喵的奇幻漂流》中的狗有點像，貓跟狗的角色靈感都來自我曾經養過的寵物。這算是我的高中畢製作品，當時我念的是藝術高中，學校有動畫課程。影片完成後，我把它上傳到網路上，當時我完全不瞭解電影發行與產業運作模式，然後就收到影展的來信邀請放映，我甚至不知道那代表什麼。後來我就真的把作品寄到各影展，獲得入圍，並得到一些獎項，甚至有機會去了很多地方，對還沒有很多旅行經驗的我來說，真的很不可思議。因為我沒有繼續念電影學院和大學，沒有產業的人脈，也沒有志同道合的朋友或社團，但是透過影展，我認識很多熱情洋溢的動畫同好，這對我格外重要；也因為得獎，雖然不是大獎，足以讓我獲得下一部作品的資金。我們算很幸運，在拉脫維亞如同大多數歐洲國家，有公共資金支持電影，雖然不多，但至少有幾千歐元，讓我可以投入之後的創作，這對年輕的我來說已經足夠了，我不需要太多資金就能拍片。所以我決定繼續拍更多片、不升學，這也是因為拉脫維亞沒有動畫學校，加上我也不想出國念書，我想不如就多做作品、從中學習。

我後來很快速地拍了四部短片，也真的學到很多。這些短片都沒有對白，這也是我當時一直在思考的點，我從來不太習慣寫對白，總覺得透過影像、動作、聲音跟音樂就能傳達更多，後來就順著這個想法，將故事圍繞無對白的概念來設計。主角多是不說話的動物，或是在某些情境或限制下，不能用口語溝通的人類。我覺得對電影創作者來說，拍無對白電影是個很好的課題，因為這些限制會迫使你找到更有創意的解決方式，讓敘事能更有電影感。我最愛的電影或一場戲往往是無對白的，我覺得那就是一種不需要翻譯的通用語言，幾乎是最接近「純粹電影」（Pure Cinema）的形式，只有用電影這個媒介才能做到，沒有其他方式能做到。

《衝出迷境》將一部長片拆成四部短片籌募資金

拍完這些短片後，我想拍長片，後來完成《衝出迷境》（Away），如同之前的短片，都是我獨自完成的。《衝出迷境》的製作過程很不一樣，整個故事構想好後，把它分成四章節各自製作，也分別以短片的形式籌募資金。當時我覺得不會有人相信我可以獨立完成一部長片，這對任何投資者來說都是巨大風險，更何況這是我的第一次，也沒有什麼成功經驗能證明自己。拍長片是個龐大的工程，切分成四個章節的做法，讓一切變得不那麼恐怖。我心想即使最後失敗，與其端出一部沒辦法看的未完成長片，至少還可以完成一到兩部短片作品，所幸最後成功了。

《衝出迷境》同樣也是無對白，一個隻身在荒島上的小男孩，克服內心恐懼、尋找與他人的連結的故事。這部片頗有自傳色彩，在獨自製作的過程中，也經歷了與主角類似的心路歷程，透過這部片我獲得很多機會，也開啟許多大門。這是我當時最成功的作品，之前的短片雖然有入選影展，但都不是大型影展，這部長片卻備受矚目。不過，其實一開始送影展都沒入圍，我想說最後可能就放到YouTube讓大家免費看。幸好後來開始有影展青睞，甚至有發行商和院線放映的機會，這個遙不可及的目標是我當時想都不敢想的事情。可惜這部片是在2020年疫情剛開始時上映，所以戲院上映廳數不多。不過因此我有機會大量旅行，去更多影展認識製片人、建立人脈，這也對我的下一部作品《喵的奇幻漂流》有所幫助。

《喵的奇幻漂流》克服與團隊合作的恐懼

《衝出迷境》的主角在尋找與他人的連結，《喵的奇幻漂流》像是延續相同主題的下一個篇章，主角從習慣獨處、個性獨立，到後來被迫學習適應、與他人合作，克服牠對水及其他動物的恐懼。這些設計都是自然浮現出來的想法，後來接受訪談時，我才無意間意識到，這個劇情跟我拍這部片的歷程很相似。剛開始我就強迫自己要與其他人合作，原本我對此充滿恐懼，因為我沒有待過動畫工作室，我猜想多數業界人士都要從基層做起，慢慢往上爬，最後才有機會領導團隊，那時已經累積豐富的歷練，並熟悉團隊合作，可是我卻得現學現用。我從未接受他人指導，如今卻要指揮他人，我一直有冒牌者症候群（Imposter Syndrome），到現在還是有，我覺得它永遠不會完全消失。某方面來說，它也算是一種好的力量，提醒自己要隨時準備好，不要把事情視為理所當然，我覺得這也比較健康，自我懷疑和焦慮有時反而是件好事，我也試著把這個態度融入在故事中，這可能也是這部片會成功因素之一，因為這是我個人非常在意的作品，不是我迫於壓力拼湊出來的不真誠作品。所以對我來說，《喵的奇幻漂流》非常私人，我覺得即使觀眾不知道背景也能感受到，所有參與本片製作的人也都非常在乎這部片，我也一直在尋找這種感覺，這大概就是我拍這部電影的初衷。

這部作品沒有任何對白。很多事情無法用言語清楚地表達，這讓我一直感到很挫折，比起用文字言語，拍電影反而能讓我把想法表達得更好，這也是我創作的動機。當然，如果有像今天這樣的機會聊電影很棒，但我希望作品就能說明一切，毋需多加解釋。我覺得保留一些開放的、模糊的空間是好的，有時候要我去解釋作品蠻棘手的，但這又是大家常常會問我的事情，所以與其多做解釋，我更傾向去談談我是如何發想，以及產生這些想法的緣由，因為說實話，有時我也不知道答案，也還在摸索自己、探索電影。對我來說，創作在某種程度上很像是自我療癒，是認識自己的過程。很多提問在我開始創作時我並不清楚，也沒有解答，甚至作品完成後也是如此。

音樂與影像交織而成的劇本撰寫歷程

談到劇本撰寫，《喵的奇幻漂流》其實是我寫的第一部完整劇本，之前的短片沒有寫劇本，基本上是用影像說故事。更早以前我會畫分鏡，但後來開始做CG動畫時就不畫了，而是先搭建場景環境（Environment），用虛擬攝影機尋找適合的鏡位、隨意嘗試，透過視覺語言說故事。《衝出迷境》也是如此，沒有劇本，只有筆記跟粗略的大綱，劇情是在製作動態分鏡（Animatic）的過程中慢慢摸索出來的。但是《喵的奇幻漂流》的製作規模大很多，我們必須向投資方提案，也需要有能理解我創作意念的團隊，所以我非寫出劇本不可。這是我一直很擔心的一件事情，我覺得自己沒辦法解釋清楚我的想法。我知道有些導演在腦海中早已有電影的想法，他們可以想像一切並鉅細靡遺地描述出來，但我沒有那樣的才能。不只是無法用文字，我也無法用畫面表達，有些人可以將腦海裡想像的影像畫出來，而有些人沒辦法將事物視覺化，我屬於後者，所以很多視覺化的工程，其實都是試出來的。尚未清楚最終視覺的情況下，我先建立場景環境，然後透過鏡頭慢慢探索，再多方反覆調整。

視覺是這樣，劇本也是這樣。它歷經很多版本，甚至不具有正式劇本格式，剛開始只是大綱形式，細節尚未成形，一切都不太明確，有很多看似無關的筆記，我將它們挪動組合，找找看是否有什麼關聯，並試著讓故事流暢。接著我才比較有架構地去寫作，我不描寫所有的細節，而是寫下關於每場戲的各種想法，整理到表格裡方便我更動順序。我知道很多編劇能夠寫出完整的劇本，並且充滿細節，但我是用比較架構化的方法去寫。為此我找了朋友Matiss Kaza幫忙寫劇本，他過去是拍攝真人電影，經驗非常豐富，但從來沒做過動畫。我請他幫忙修改劇本，我發現非常有幫助。在過程中兩人的對話與討論迫使我把想法表達清楚，儘管我覺得自己仍無法完全做到，但我認為有個可以對話的對象、寫作的夥伴，真的很有幫助。我現在正在撰寫下一部作品的劇本，即使是獨立作業，我也會跟自己對話，跟自己提問再試著回答，我發現這種方式非常有用，透過不斷對話、自問自答的方式，迫使你去思考每一個想法存在的理由。一個人創作時，有抽象的想法就足夠，如果跟別人一起合作，就必須要有合理的邏輯，這是很有幫助的事，因為故事可以更聚焦、更精煉。

不過，也要留意故事太精煉反而會有太直白的風險，我覺得在電影裡有些瞬間無需解釋。對我來說，找到平衡點至關重要，有些劇情有其意圖，有些時刻則留給觀眾想像，甚至我自己可能也不完全理解它們的意涵。所以有些想法我可以用文字解釋，但有些不行，我必須用圖像、聲音或音樂來表達，這些方式比起以文字描述情緒能傳達的更多、更具體，它有一種特殊性，可以讓作品不流於平庸乏味，這是我的另一種溝通方式。在我發展視覺、創作音樂的時候，許多劇本構想會同時萌生。《衝出迷境》是我第一次做電影音樂，在製作後期才開始，而《喵的奇幻漂流》我想要提早創作音樂，讓音樂也啟發故事構思。例如我寫了一段配樂，沒有針對某一場戲，我知道這段音樂背後的情緒很重要，我會想找個地方放，劇本寫作時就會一併思考。有時候一張圖像也會激發我的靈感，所以對我來說，寫劇本時要考量到其他層面，然後讓它們回頭來影響故事，最終融入電影之中，這是非常重要的。音樂不是附加在影像上的東西，影像也不只是視覺化文字內容而已，它跟文字一樣重要，而我也可以圍繞著影像去構思故事，這樣的創作過程更自然、不流於公式，過程中也會出現意想不到的驚喜，我想這種做法在規模較小的創作裡比較容易實現。

《喵的奇幻漂流》是相對規模大一些的製作，本質上仍然是小成本獨立電影，團隊也很小，這種工作方式下，我在創作上自由度更高，這對我來說很重要。我們有比較多的彈性，也可以更快地決策，不需去說服龐大的一群人。我可以親力親為地參與每個環節，這也很重要。我很享受這個過程，我不想整天開會、解釋大大小小的事情，我很喜歡捲起袖子參與其中，因為這真的有趣。最終劇本有37頁，扣掉片尾名單大約80分鐘長，通常一頁劇本文字代表一分鐘片長，因為這部片沒有對白，整體精煉許多，文字間的空白比較少，大多是動作描述。即便劇本完成後，故事仍不斷演變，我還持續撰寫調整，也就是說最終成品也不完全照著劇本執行，我覺得整個過程最困難的就是寫作，這剛好又是最重要的。如果把《衝出迷境》跟《喵的奇幻漂流》兩相比較，會發現敘事方式有很大的轉變與進步，因為在最終確定製作之前，整部電影已經在我腦海裡上演了二、三十次，所以還是滿推薦大家要寫劇本。

完成劇本後，我就開始做動態分鏡，不看劇本、只憑藉著對劇本的記憶製作。這種做法只適用於比較小規模的獨立製作，劇本只是讓我去探索一些想法，也方便募資，不是真的用來製作。團隊都是根據我做的動態分鏡、圖像或粗剪版本來製作，這些比劇本更能表達我的想法。我對最終成果非常滿意，如果只看劇本很難想像最後成品的樣子，劇本只有大致描述發生什麼事，卻無法喚起我內心的完整感受。我從第一場戲開始按照時間順序製作動態分鏡，這樣很順，因為我知道故事走向、結局，也知道劇情結構，但我並不拘泥於此。有幾場戲是在過程中新想出來的，有些則是因為後來覺得不必要，最後根本沒有把它們視覺化。總之，整個過程是非常有機的。

圍繞著相同主題、具有高辨識度與化學反應的角色設計

《喵的奇幻漂流》有五個主要角色，有貓、狗、狐猴，水豚，還有一隻鳥，故事主軸就是這些非常不同的角色們被迫要一起合作。貓是來自剛開始提到的短片，牠是隻很怕水的貓，我覺得這個設定很成功，就算沒有對白，大家自然而然就知道貓不喜歡水，不需要多做解釋。貓有時候脾氣不太好，也不好親近，如果船上擠的是一群人類，觀眾一定比較難產生共鳴，因為貓很可愛，所以我們會原諒牠的自私跟暴躁，敘事上算是有點作弊，而且貓的表情動作豐富，製作成動畫也是非常有趣。給大家看一些概念圖，主要角色的設計基本上是以3D製作。典型的動畫製作中有很多部門，會有概念設計師（Concept Artists）的部門，設計流程明確且結構嚴謹，但我們的製作過程沒那麼一板一眼，全片就只有這張貓咪概念圖，它不僅是概念圖，也是電影裡的道具；其他的角色設計是由我們工作室的概念設計師Paula Bobrova完成的，我們畫了很多草圖。

黃金獵犬的靈感來自於我小時候養的兩隻狗，之所以選擇狗，是因為狗在很多方面都剛好跟貓相反，在很多故事裡，尤其是喜劇，常常會看到性格完全相反的角色被一起關在狹小空間裡。狗象徵一種群體意識，牠們跟著群體或領導者走，貓咪則相反，所以電影裡的貓非常獨立、自給自足，牠隨著旅程學會跟他人合作。電影裡的狗，至少以主角而言，則是恰恰相反，牠一開始是追隨者，後來找到自己的獨立性。我想表達的是人生沒有簡單的、一體適用的解答，這兩種心態各有優缺點，很多時候我們需要獨立思考，以自己的方式解決問題，也需要學會和別人合作，關鍵在於如何找到兩者之間的平衡，太過極端會很危險。所有角色的選擇都圍繞著這個主題──個體與群體之間的衝突、尋找歸屬感的渴望。狐猴不斷蒐集物品，牠真正追求的是被接納，鳥則是被鳥群排擠出來，所以這些動物並非隨意挑選，它們都是總體概念設計的一部分。挑選這些動物其實有點像選角，要考慮每個角色的個性及彼此之間的化學反應，如果把它們組合在一起，會出現什麼樣的衝突或喜劇效果？每一個角色都必須有高辨識度，比如說身形和聲音要不同，個性也互相衝突，最後我們就得到這個組合。牠們都在經歷一段旅程，不斷學習改變，希望這些改變不會讓人覺得太刻意或造作，而是自然的。

這群動物中唯一沒有改變的角色是水豚，水豚有點像是其他角色的導師，非常平和、放鬆，從頭到尾始終如一。有一度想讓牠在故事裡也有某種成長，但後來發現那樣很牽強，保持現狀只對其他角色帶來影響，效果其實好很多。在開始構思時，水豚雖然為人所知，但不像現在這麼流行、大受歡迎。我會選擇水豚是因為看過一些影片，牠們跟各種動物都相處得很好，這一點在主題上跟電影很契合，牠們甚至可以跟一些天生的掠食者和平共處，我看過水豚跟獅子或鱷魚在一起的照片，牠們互不干涉、和平共處。

至於鯨魚這個角色，最初的設計想法是參考真正的鯨魚，這個角色其實代表貓咪對於未知的恐懼，當我們把真實的鯨魚放進畫面時，發現其實並不可怕，可是在電影裡很重要的一點是，觀眾要能以貓的主觀視角去體驗這一切，所以我們必須也要對鯨魚心生恐懼。我們不斷改進設計，最後把牠變成一個類似神話生物的存在，剛開始我們只能瞥見牠若隱若現的水下身影，接著才能慢慢看見牠的全貌，牠像是個精神上的象徵，貓咪最後也學會不要迴避恐懼牠。跟負責鯨魚的概念設計師合作的過程很有趣，他會先快速地畫一些草圖，然後用3D建模完成設計，我們直接用他的概念設計去製作，稍加清理並增加骨架動作，確實很快。鹿的角色是在編劇過程中逐漸形成的，象徵貓害怕被困住的恐懼，被鹿群層層圍繞、被踩踏而產生的幽閉恐懼感，我自己也不時會有這種感覺。電影沒有旁白，無法用文字解釋貓咪心裡的感受，所以透過這些反覆出現的視覺意象，再加上音樂，去幫助觀眾理解貓為什麼會恐懼。這部分其實挺棘手的，我曾長時間擔心一切會不會太隱晦，尤其是結尾鹿群再度出現的那一段，我真的掙扎很久，反覆修改很多次，最後才確定現在看到的版本。

以動態分鏡探索節奏、速度感及構圖的創作過程

（播放影片：動態分鏡與成片的對照）

接下來要介紹動態分鏡的製作過程，可以看到動態分鏡還不是正式動畫，而是我用來尋找節奏、掌握速度感、找到每場戲構圖的方法，以此取代一張張手繪分鏡圖的方式。因為這部片的鏡頭移動幅度很大，又有很多長鏡頭，要把這些全部畫出來是不可能的，而動態分鏡可以直接看到光線、特效，對我來說構圖時能看到這些元素非常重要。在一般CG動畫製作中，通常由一組人負責打光，另一組人負責鏡位，我很難想像這種工作模式，因為陰影、構圖、取景、特效全部都會影響放置攝影機的位置，所以我習慣同時調整它們。

這裡有更多動態分鏡，已經是經歷多次修改的版本，第一版粗糙得多。當團隊增加更多素材與細節進來，我就把它們套用在動態分鏡上。當我在為船隻建模時，動態分鏡還很粗糙簡單。這個部分很重要，在劇本撰寫之外，這應該是整個過程中第二重要的部分，而且這些工作都在正式製作之前完成，拍真人電影時，多半是拍完後才剪接，但我這時已經對著音樂把剪接完成，這麼早就有音樂是很有助益的。

從角色的內心感受出發，建立動畫世界與背景故事

接下來我想談談動畫世界的建立。我常常被問到如何建構起這個世界、構思這些背景故事等等。很多問題我自己也沒有答案，沒有一本問答集解釋所有設計。我先從情感下手，例如我想呈現貓咪面對洪水將至的焦慮感，於是產生一個許多貓雕像逐漸被水淹沒的畫面，我是從情感面出發，先建立眾多雕像的場景環境，背後其實並沒有什麼邏輯。我跟概念設計師一起激盪出貓住在森林的小屋裡，這時還是沒有所謂的背景故事，後來有了雕像的想法及故事的發展，我們才想出了背景故事：「也許這個地方曾經住著一位雕塑家，才會有這麼多雕塑」，於是我們在場景環境裡加入細節，例如雕刻工具等。動畫世界的建構是很有趣，不過你也有可能忙於構思極其複雜的背景故事而自我迷失。對我來說，這是一個以角色為主的故事，角色才是一切的焦點，劇情也是圍繞著角色與角色的旅程展開，而不是先去構思外在的設定才發展角色。我總是從角色的內心感受出發，然後圍繞著這些感受打造角色的世界。

這邊有很多概念圖給大家看。我通常一開始會用粗略的形狀、簡單的方塊來搭建場景環境，有時也會在網路上找素材或素材庫，快速地拼湊它們，將原本不該放在一起的素材組合起來，看看它們在不同的情境下會有什麼效果，用這樣的方式探索發掘。然後就用這些來製作動態分鏡，展示給概念設計師看。例如一座塔樓可能只是簡單的幾何形狀，概念設計師再添加各種細節。我理解概念設計師可能因此感到受限，必須從我搭好的基本形狀開始，而不是從零開始構建，但我想大家其實很高興有一個明確的方向可以依循，不用因為我的想法改變，就要推翻一切，然後重複十次。我想團隊成員多少都希望有一個明確的答案，或至少一個明確的方向，所以整體而言，我覺得大家對這樣的流程是滿意的。

有幾場戲我在視覺化的過程中遇到瓶頸，我會先解釋想法給概念設計師，他可以在沒有任何參考的情況下直接出圖，之後我再依照那張圖來搭建場景環境。有時候概念設計師則是直接使用3D，那就更棒了，等於省掉一個步驟。一般會先畫出草圖，然後由另一個人來建模和上材質，當我們已有模型，只需要加強優化，就可以使用在作品中了。

呈現被水淹沒的世界也相當有趣，原本看似平凡的地方，因為被淹在水下，而顯得非比尋常。描繪的場景靈感來自世界各地、並非單一地點，目的是創造永恆感，這可能發生在現在、過去或未來，因為不同的元素融合在一起，它甚至可以是一個平行宇宙。不過的確電影裡沒有任何現代科技的痕跡，一切都呈現手工製作的質感，這一點很重要。我們有去參考真實場景，但沒有完全複製，而是把它們組合成一些新的地景。

片中的船隻是拍攝過程中最重要的場景，我們花了很多時間在上面，並且非常注重細節。

深思熟慮的運鏡設計與環境搭建

（播放影片：各種運鏡、3D環境搭建示範影片）

接下來再談談如何發展運鏡。運鏡有非常多不同的版本，這是第二版，有點滑稽也很粗糙，等等會看到它是如何一步步進化與改變。整個過程歷經長時間的修改，這裡可以看到房子長得不一樣，一開始是用這個模型；屋頂上的雕像也不同，一開始是人，最後改成貓。這一版的運鏡也不像後來有跟著貓進屋。這是第六版，我將攝影機轉向，讓畫面逆光，光線接近正中午；後來把它調成黃昏，我也加了更多細節，並把雕像移到另一個位置。這時我把場景交給概念設計師，在我持續發展運鏡的同時，他們一邊建模、一邊補上細節，有時候他們會給我很多不同版本選擇。

這段運鏡是我們用來測試整個工作流程，所以這應該是全片花最多時間的一顆鏡頭。版本非常多，這是第九版，光線已經不同，也開始加上一些植被，在大部分的鏡頭裡，我不會這麼早就加植被。現在看到的植被其實還很粗糙、比較像是程式隨機散布的，在最終成片裡，它們被非常細緻地調整、梳理過，每一株植物的存在都有其理由。我也決定讓鏡頭跟著貓走進屋子，當時尚未建立屋內陳設，因此我再請概念設計師進行屋內設計，這時我們才決定一樓是雕刻家的工作空間。差不多也在這個階段，我開始發想後面要有一場洪水的戲，所以也加上比較小的雕像，透過那些雕像的變化來表達時間流逝，我們就以貓雕塑替換原本的人像雕塑。但我還是很喜歡人像雕塑的想法，後來我創作了一個原來劇本沒有的全新場景環境，裡頭可以看到人像雕塑。此時燈光也調整好，燈光真的非常重要，深深影響我放置攝影機的位置。

接下來進入動畫階段，場景環境已經清理乾淨，方便動畫師工作，如果所有細節都開著，電腦會非常卡，所以需要清理。動畫師建議讓主角貓咪停下腳步，看向鏡頭也看看雕像，因此我需要調整鏡頭，來回修改多次。我覺得讓動畫師和每位參與者都可以提出建議很重要，如果他們有好想法，我們都能隨之調整，讓大家都能感受到自己具有某種主導權，覺得自己有所貢獻，不僅僅是在執行計劃，而是在創作電影。

這應該是最後一版，第46版。一切水到渠成，包括聲音、調色、特效等。我對成果非常滿意，從頭到尾真的花了很久時間，應該超過一年，當然我們同時有在做其他事情。處處可以看到藝術指導的成果，光線設計不僅僅是單一光源，而是層層堆砌，場景裡的物件也不是隨意擺放，每一根草葉、樹木都經過精心布置，順應各種拍攝角度以呈現出最佳效果。我們會從不同的鏡頭角度來回檢視，每顆鏡頭我都會試著調整樹木的位置及大小，對所有物件進行微調，確保每顆鏡頭裡的所有東西都恰到好處，一切都經過深思熟慮，並非偶然或隨意之舉。

在接近最終畫面的3D環境中進行鏡位、燈光、剪接的精細調整

整個場景環境就是這樣被搭建起來的，我可以去移動所有的素材，常常我不知道最後效果會是什麼模樣，剛開始我有大概的想法，還沒有確定我要怎麼取景，我先把元素都丟進場景裡，透過虛擬攝影機的景框去觀察，找到合適的鏡位很重要。尋找鏡位的同時一邊調整光線、移動物件，例如讓霧氣濃一點或淡一點，即使在動畫製作中，依然會有一些像是真人拍攝時的「意外」發生。你可以看到（投影片），在這個階段就已經有光、材質、色彩，對我來說非常有幫助。在其他製作裡，這個階段的場景環境可能還會非常粗略，例如只有形狀、或黑白兩色，但是對我來說，盡可能接近最終畫面能幫助我更清楚地想像這場戲，也會激發出更多故事靈感。

在製作初期，我測試了一種方法──用手機紀錄手持鏡頭的運動，這是可以即時拍攝的，效果還不錯，但是面對需要精準的長鏡頭就比較難做好。電影裡有些鏡頭長達四分半，有很明確的動作編排，所以我不能用這個方法。於是我錄製了自己原地走路或跑步的不同動作，設定好攝影機的關鍵影格（Keyframe），將它製成精確的動態影像，然後把動作加在最上方的新增圖層，我就可以混合搭配不同程度的手持晃動，基本上就像一位真正的攝影師，調整鏡頭焦距和景深。例如在這裡（投影片中的影片），我找到這顆鏡頭的第一個畫面，取好景後，處理五秒後的影像，製作關鍵影格，再一路往下。到這裡我覺得應該看看貓的反應並移動鏡頭，我意識到我應該早點做，所以我就著手進行。我喜歡這種長鏡頭，它不是在動作和反應之間切換，而是在一顆鏡頭中同時展現兩者，這裡可以看到鏡頭圍繞貓旋轉的長鏡頭。

這裡是一個示範，如果我把晃動強度調到最大，看起來一定會非常暈，這只是示範極端狀況，實際上我可以調整晃動的強弱，也可以混合不同程度的晃動。同時我也持續在調整場景環境，對我來說，同時進行這些操作相當重要，而且我必須親自做，這部分很難交給別人處理。這邊有更多的姿勢，我決定貓咪應該要回頭望，看到狗兒，一開始沒問題的光線，因為攝影機回頭又變得不適合，所以我一直在調整光源，讓光線從所有不同的角度看起來都合理。

到這裡我們已經有場景構圖，我們省略了一般動畫製作中會經歷的許多步驟，通常動畫片會有合成（Compositing）的階段，需要將許多特效分別在不同的圖層中進行調整，但在這部片裡，所有的微調基本上都是直接在3D環境完成。我會一直移動場景裡的素材，讓每一棵樹在鏡頭看來恰到好處；同時我也會調整所有物件的顏色，包含物件本身跟大小；我也可以提高光照區域的亮度，而且這些並非獨立的流程，都是同時進行的。這裡可以看到貓走的那條路，光線打得非常精準，從別的角度看可能就不適合，但從那顆鏡頭看剛好是正確的，整個世界都建構在3D環境中。當然我可以把整座城市搭建成一個完整的場景，但是會非常耗費資源，所以我把重點放在優化每顆鏡頭，攝影機看不到的部分都拿掉，好讓整個場景最佳化。

再次強調，盡可能接近最終效果的環境，真的非常有幫助，我可以用鏡頭環顧四周，基本設定差不多就可以完成。如果是用分鏡圖的方式，因為不需要做到很細緻，可以很快獲得靈感；如果用我們的方式，會花很多時間做前期搭建，但是可以節省後面流程的時間，因為後面要補的工作會少很多。我們是用免費動畫軟體Blender來製作，我也是第一次使用，主要原因是它有即時渲染引擎（Real-time Render Engine）EEVEE。通常在3D動畫環境裡，至少在我剛開始做動畫時，每一格都要等很久才能完成渲染，這真的會打斷創作流程。EEVEE讓我在做調整時，可以即時看到結果，大大加快製作過程，不只是渲染速度，而是連帶整體製作跟調整過程都加快，這是我選擇Blender的主因。

（播放影片：剪接過程示範）

這是剪接流程，可以看到有非常多的素材，遠比最後留在電影裡的多，有些情況我選擇一鏡到底的拍攝方式，用特定的攝影機角度拍攝；但在其他情況下，我會從很多角度拍攝，剪接時再挑選合適的鏡頭，將它們組接在一起。我想我的素材比一般動畫電影多很多，我們並不是拍完再剪，一切都是同步進行的，完成一顆鏡頭就放進剪接軟體中，這也幫助我想出鏡頭之間的轉場方式，而且不會浪費時間在那些最後不會用上的畫面。這裡可以看到很多不同版本，我試過遠景、特寫，也換過不同的道具、攝影角度，因為即時渲染讓我可以快速嘗試不同的想法，有些想法是在嘗試中意外產生的。這是最後的版本，雕像最終出現在另一個不同的場景環境中，我也試過以貓或鳥的視角來看世界，也改變雕像沉入水中的深度。我們做過無數的嘗試，許多動畫製作幕後的工作最終是不會被呈現的。

關於動物毛皮，我不想要太寫實，希望風格比較圖像化，而且毛髮的渲染也相當耗費資源，尤其是在水中，所以我希望造型可以更風格化一點，它並非真正的毛髮，而是透過將角色的幾何外型做變形，來創造出輪廓。無論是真人或動畫電影，水都是最大的挑戰之一，因為它非常難控制，即使在動畫裡，也需要理解物理定律，這是我自己無法完成的，所以請了幾位才華洋溢的藝術家與技術人員來協助。在多數高預算電影裡，可能會由整個部門去製作，但我們只由兩個人完成，團隊很小。對我來說，這像是一場惡夢，以後會減少使用到水的畫面，但是在《喵的奇幻漂流》當中非常重要，因為電影並沒有真正的反派角色，水本身就是衝突的來源。

以音樂與聲音創造出讓觀眾沉浸的情緒及身歷其境的氛圍

音樂方面，基本上是用我的筆記型電腦創作的，我沒有學過音樂，也不會演奏樂器，一開始只是在軟體（Logic Pro）裡畫出音符，移動它們，反覆播放聆聽，再根據我的反應加以修改。大部分的音樂都非常極簡，音符也不多，在我可以控制的範圍裡，更複雜的音樂我也寫不出來。如同先前提及，我很早就著手創作音樂，而不是使用其他電影的音樂來做暫時配樂（Temp Music）。很多電影都會有暫時配樂，但這對配樂家來說很挫折，他們常被要求複製某些既有的音樂，但是又必須不盡相同，這種方式非常局限，所以我認為創作自己的暫時配樂非常重要，因為這樣音樂才能真正和故事融合，變成電影的一部分，這就是我的做法。

（播放暫時配樂）

這段暫時配樂，其實跟最終音樂相去不遠，但是我確實需要更多協助，所以找來另一位配樂家Rihards Zalupe，他的經驗非常豐富，而且是打擊樂手，我大量使用馬林巴琴跟木琴的元素，而他也有做電子樂的經驗，我們的組合很完美。我做了有點反直覺的設計，用電子音樂表現在情緒強烈的戲，用原音樂器來搭配輕鬆有趣的戲。Rihards接手後，把我做的初稿更完整地編曲，增添更多深度與層次。我創作音樂時沒有對照特定的哪一場戲，這些初期音樂我做了非常多，總長度應該有七、八小時，最後影片應該只有用到十五分鐘。林林總總的版本很多，有些音樂這裡沒用到，我就留著也許在後面的段落使用。我沒有針對哪一場戲去創作音樂，也沒有專門為貓咪打造主題曲，我只是創作出音樂的主旋律（leitmotif），Rihards才是把這些零散的想法組織起來、讓它們更連貫的人。如果真的要說主題曲，貓咪初登場時有放，可是這曲子後來再也沒有出現過，Rihards把它融入到後段的配樂中，打造出完整成形的音樂。現在聽到的部分素材有放進電影裡，其他的素材則用真正的原音樂器來取代。

可以聽到有些就是軟體素材庫的音樂，不足為奇，在軟體裡，當創作出音符與旋律，我就會嘗試不同樂器設定，反覆試聽選擇，尋找感覺。聲音的確會改變情緒，可以創造出質感與色彩，例如這裡我上下移動八度聽聽感覺，我就是這樣不斷實驗嘗試。有了這些不同的音軌，我在混音時就可以讓有些音軌大聲一點、有些小聲一點，透過不同的組合變化，可以創造出許多不同的情緒。聽到管弦樂團演奏我在筆電上創作出來的這些音樂，實在是太棒了。我沒有學過音樂，所以聽到專業人士把我的創作演奏出來，真的讓我感到無比榮幸，也讓整部影片增色不少。我們想要保留瑕疵、營造粗獷感和有人味，所以最終呈現出電子音樂和原聲音樂的結合。

有足夠的空間表現音樂相當重要，對白在音軌中常常是唯一焦點，凌駕在其他聲音之上，但因為我們沒有對白，音樂不需要跟對白爭奪注意力。一般在這種比較長的片段中，不加太多音效，通常只鋪配樂，頂多一點基本必要的音效，但在本片有很多長段落裡是沒有配樂的，只有用簡單的聲音與音效，創造出一種身歷其境的紀錄片氛圍，讓觀眾感覺到置身其中、非常真實。大家知道電影裡，尤其是動畫片，常常有種壓力必須無時無刻搭配大量音樂，藉此帶動觀眾的情緒，但這有點扭曲，好像音樂要我們高興十五秒，然後又要我們切換成傷心，總是要隨著畫面的改變充滿戲劇化的效果。大家可以聽到這裡的音樂只有一種情緒，它花很長的時間慢慢發酵，營造出一種航行在海面的感覺，我們給足時間讓它醞釀，而不急於求成。我並不是指要慢，作品裡有其他更慢或更快的段落，重點是不疾不徐地讓觀眾沉浸在這個情緒裡。

這裡有更多例子，我會創作不同的變化，嘗試不同的樂器，這類素材很多，大部分最後也沒用上。不只可以調整樂器，也可以微調音符，情緒就會不同。例如這裡調整成低沉深邃的聲音，就表達出完全不同的情緒。我做音樂時會盡量創作出很多不同的版本，有時候最終採用的是第一版，後來變化出來的五個版本都沒用，但有時候最終採用的是最後一版，這都不一定。剪接過程中我就會反覆嘗試，素材很多，我播放、聆聽，並且根據我的反應做出決定。這段是Rihards，大部分獨奏部分都是他自己錄製的，他也使用真正的模擬合成器。其實我不會看樂譜，這對我來說像是另一種語言，不過我們在這過程中實驗得很開心。

動物角色的聲音大多是使用現實世界中的動物叫聲，除了水豚比較麻煩，我們有錄真正的水豚聲音，但是聽起來很奇怪，牠們的聲音高頻刺耳，這讓我們束手無策，不知道怎麼辦，我們最後以小駱駝的叫聲代替，大家跟水豚原音比較一下（播放聲音，全場笑）。所以研究現實生活並參考固然重要，但是有時候可以有自己的藝術創作空間，稍微突破常規。

以下我整理了一些很多人常問我的問題：

Q：拍《喵的奇幻漂流》花了多久時間？

A：耗時五年半，很久，但對動畫片來說，我覺得算是平均值。時間是一種奢侈，如果你能有更多時間，那很幸運，通常都是被要求快速完成工作。我覺得我運氣很好，可以有這樣的時間。

Q：團隊有多大？

A：總共約五十人，但核心團隊要小得多，有些人只做了一天或數天。例如我們拉脫維亞的團隊就只佔一個房間，同時間大概就三四個人，所以團隊很小。這是一部三國合拍片，我們負責前製、劇本、音樂和後製，都是在拉脫維亞做的；另外兩國是法國和比利時，我們在那裡製作動畫、角色動作與音效設計。我覺得還滿有趣的是，以前都是法國的製作外包到拉脫維亞完成動畫，因為成本更低，但創意決策都是在法國。這次正好相反，是我們把動畫製作外包到了法國，這對拉脫維亞的動畫產業來說是個好現象。在歐洲，我們很幸運能得到來自各國政府和歐盟的資助，也很幸運能得到信任，因為這樣的經驗也是我的第一次。我認為信任這些年輕、尚未嶄露頭角且以獨特方式製作的電影人，非常重要，其實像我們這樣的作品並不容易找到資金，本來或許只能找私人投資，所以我們當初也是很冒險，最後很幸運能獲得這塊資金。

Q：用了哪些軟體？

A：我用了 Blender製作所有的視覺、動畫、光線渲染等等，DaVinci Resolve用於剪接及調光，Logic Pro用於音樂創作。

【學員提問】

Q：我是做聲音設計，想問你們給聲音設計多久的時間製作 Foley 和音效？音樂做出來之後，給混音室多久的工期呢？

金茲斯巴洛迪斯：有點難說多長時間，因為很多作業同時進行，音樂很早期就開始做，所以很難計算出一個明確的時間總長，我只能說做了很久，應該比大多數電影都還久。因為很多東西也是我的第一次，我邊做邊學，素材又那麼多。我的下一部片連劇本發想都還沒開始，就先開始創作音樂了。我在沒有故事想法的前提下，先創作了大量的音樂，然後才圍繞著音樂來構思故事，對我來說，這個過程很緩慢卻很重要。這樣的做法讓我很難跟別的作曲家合作，但是這是我找到故事、理解故事的關鍵一步，而且這是最有趣的部分，我真的很享受創作音樂的過程。

對我來說，寫故事是最難，但做音樂最有趣，我甚至會純粹為了好玩而做音樂，而且音樂創作非常放鬆，速度也比動畫快得多，創作出豐富而完整的音樂作品，大概只要一天，幸運的話可能幾個小時就能完成，而動畫製作可能需要好幾週的時間，所以我真的很享受即時就能有結果這件事。我把我的版本做完之後就交給Rihards，他做音樂的速度很快，我們快速地把音樂錄好，所有管弦樂部分只花了半天錄製，通常需時一週，但我們只有幾個小時可以錄。我真的是很驚訝，這些樂手抵達現場、沒有排練，馬上現場演奏，聽起來竟又完美無瑕。所以沒錯，音樂是我最喜愛的部分。

Q：請問你身為導演，要做動畫、玩音樂 ，要來回測試，又要指揮底下其他工作人員，有這麼多事情要做，你是怎麼分配自己的時間？

金茲斯巴洛迪斯：其實我的時間管理不是非常有架構，我就是想到就弄，覺得音樂有靈感就去做音樂，對設計有想法就去做設計，並沒有規律的時間表。我常常挑燈夜戰，有時也會在白天稍微休息，我蠻喜歡這種自由的作息。不過我通常是全天長時間的工作，這不是工作和生活的健康平衡。在獨立作業中，你可以想花多久時間就花多久，但是團隊合作時，有別人在等待你，你就被迫找到動力去完成該做的事，有截止期限會激勵你完成，例如有時候我得放下手邊正在做的事情，趕東西給別人。不過時間永遠不夠用，《喵的奇幻漂流》是在首映會的前一天才趕出來。當然如果時間更充裕，我一定會繼續做下去，你只能在現有時間的限制下，盡力做到最好。我也試著在下一部作品儘量放手，讓其他人做更多，我可以更聚焦在故事與整體規劃，不要什麼都自己做。但這件事我也還在學習，我想要隨著每個專案多放手一點，也希望在這個過程中找到可以互相信任、互相瞭解的人，組成工作團隊，這確實是一個課題。我想我還算年輕，所有時間都投注在作品，也沒有什麼自己的生活，但我不可能一直用這種方式拍片，製作這樣的電影真的很艱難。

Q：我想問關於聲音的問題，像是貓咪的腳步、風吹樹葉和水的聲音，你是怎麼跟聲音設計師做創意的討論？例如讓貓咪的腳步大聲一點，摩擦多一點，或是水的浪花大一點，浪花的泡沫細一點這類的創意發想？

金茲斯巴洛迪斯：我有一位非常優秀的聲音設計師Gurwal Coïc-Gallas，他參與過很多大製作，很榮幸能跟他合作，這部片的規模比他平常參與的作品小得多。不過他跟我一樣是控制狂，一般電影音效會有龐大團隊，但他基本上都是獨立作業。後來有擬音師跟混音師的加入，所以基本上就三個人。大部分時間他都是獨自工作，我也花了不少時間跟他討論。以貓的腳步聲來說，貓走路非常安靜，幾乎聽不到聲音，因為牠們是天生的獵捕者，走路無聲無息，所以我們稍微誇張化了牠的腳步聲，讓聲音大聲一點，以營造觸感。

至於其它聲音，我希望音效真實、充滿觸感，像是來自於攝影機的主觀角度，並擁有寬廣的音場。通常電影裡只會聽到一個明確的聲音，可能是從角色的角度來聽，但有時候角色離得很遠，聽到的聲音更像是從攝影機角度出發的，我覺得這樣會更有沉浸感。我們常常聽到一些看不到聲源的聲音，它們似乎來自畫面之外，所以我們需要自己去想像是什麼發出這些聲音，這反而讓聲音更加豐富。但是我也學到，在音效方面少即是多。我有時候會有「什麼聲音都想放」的想法，但Gurwal會跟我解釋不是一切聲音都得出現，重點是引導觀眾，以及專注在故事核心。有些原本應該會很嘈雜的段落，我們將音量調得很小、甚至是無聲處理，其實這樣更讓人能深入其中，因為當你聽不到其他聲音，反而會專注在某個特定的聲音。

Q：如何跟委外動畫師溝通？

金茲斯巴洛迪斯：基本上我們有個優秀的動畫總監Léo Silly Pélissier，他負責把所有的想法傳達給全團隊，並指導大家製作。我覺得動態分鏡很有幫助，它很具體，動畫師一眼就能明白要做什麼，不用多做解釋。真的需要解釋時，我會針對每個鏡頭詳細描述我的需求，例如我會說：「這邊動作需要跟著音樂的節拍」等等。多半他們自己會找參考資料，這很重要，他們找了真實動物的影片，也去動物園，但是最後在網路上找到很多素材，網路上貓咪做各種動作的影片應有盡有，但他們不是原封不動照抄，而是透過詮釋創造出自己的版本。因為他們也在講故事，不是在複製現實生活，角色都在經歷各自的情感旅程。即使是耳朵動一下、轉頭環顧的小動作，我們都會去尋找參考資料。

再次強調《喵的奇幻漂流》是一部小預算的動畫片，我只能雇用初出茅廬的年輕動畫師，大部分的動畫師是第一次做動畫長片，我們又給了他們非常多挑戰，例如長鏡頭、製作細微的寫實動作，加上製作四腳動物也比人類複雜得多，腳的數量就是人的兩倍，運動方式的複雜程度是四倍。這些動畫師的工作時間表相當緊湊，跟迪士尼、皮克斯大廠的動畫片相較，他們的工作速度必須快五倍。在他們必須提高工作效率的同時，我收到他們的東西後就直接在上面作圖、寫筆記或提供具體資料，其實整個流程蠻順暢的，當然中間也歷經多次往返溝通。

Q：請問導演最喜歡的三部電影？

金茲斯巴洛迪斯：要我選最喜歡的作品很困難。有些作品是影響我的創作，但未必是直接的影響，可能是潛意識裡為我帶來巨大衝擊。例如我是艾方索柯朗的忠實影迷，他的長鏡頭很有名，尤其喜歡《人類之子》、《你他媽的也是》，那種略顯粗糙的手持攝影機運動，或是攝影機在刻意設計下沒有捕捉到所有動作，還有攝影的視角轉換，同一個鏡頭裡可以從主觀鏡頭切換到客觀鏡頭等。我也喜歡他透過視覺傳遞很多訊息，又不會流於過於直接，讓人深刻感受到真實的時間。我也是Paul Thomas Anderson的大粉絲，他的作品一樣有這種粗曠的質感，我很喜歡作品裡所呈現的瑕疵感、隨性感。我也是宮崎駿的大影迷，我認為他的工作模式也是在分鏡過程中找尋靈感，我猜想宮崎駿在創作過程中，不見得完全瞭解劇情接下來的走向，這也對觀眾營造出對未來的未知感跟無法預測感。在《喵的奇幻漂流》裡，雖然我對於結局已經有想法，但我在整個過程中不斷發現新的可能，並捕捉意外的驚喜。這幾個是我喜歡的影人，當然還有其他很多人，我每天的答案可能都不太一樣。

Q：你從《喵的奇幻漂流》開始受到很多注目，感覺你的電影都有一種孤獨的氣氛，你也奉行 “Less is more.”（少即是多），我想知道你的下一部動畫長片會不會繼續有這樣的精神？

金茲斯巴洛迪斯：我下一部片的規模稍大一些，但我還是希望繼續使用類似的工作模式。我很喜歡我全力投入在小團隊的工作方式，我覺得人少，在很多方面反而效率高。我有完全的創作自由，不受任何人監督或審核。

Q：我很喜歡《喵的奇幻漂流》，記得當時看完電影再看到我家的狗，印象完全不同了。你剛才提到你喜歡電影有不完美的特質，身為動畫導演，你如何在作品裡創造那種不完美的感覺？透過鏡頭的運動嗎？還是透過其它設計？

金茲斯巴洛迪斯：我會讓攝影機像真人操作般一樣移動，就像它無法預期動物接下來會怎麼移動，例如貓一跳，攝影機稍微延遲、試著去追拍貓，或是在動作很快的情況下，鏡頭會大幅晃動，或是光線過曝、打得不完美，例如角色在陰影裡，並沒有那種常見的唯美輪廓光圍繞在身旁，打光都呈現一種不完美感。聲音的處理也相同，比如洪水襲擊貓咪的段落，第一次呈現水下景時，有些人可能很自然地覺得要用很響亮、戲劇化的聲音，但我要求音效設計師把它做成像麥克風掉到地上的聲音，所以用了粗糙的聲響，錄音時也不用完美的音量。在音樂上也是，我們在一個不盡完美的空間裡錄音，因為那裡在空間聲學上更有趣。

 透過研究動作、影像與參考資料，你會發現平常不會發現的東西。如果你是完全憑空想像、閉門造車，當然會創造出所謂「更完美」的作品，但如果你去看真實的事物，你會發現這些缺陷和不足。

Q：我想問《喵的奇幻漂流》的世界架構，我們看得出來貓以前可能跟人一起居住過，有一些線索，例如床還有一些餘溫，你當初在設計這個世界時，有考量到「人」的要素嗎？

金茲斯巴洛迪斯：我沒有一個簡單的答案，我們從來沒有加入過任何人類角色，因為那樣就需要對白。你看到的貓是獨處的，你當然可以去想像，也許它曾經有過人類、像是主人的陪伴。牠的孤獨跟曾經可能有人陪伴的想像，當然可以給角色的行為模式帶來多一層詮釋。但是這部分我不清楚、也沒有興趣探究，我比較想要聚焦在貓身上。我們看過很多類似的故事，但都是以人類的角度出發，很多電影都做過了，我覺得從動物的視角出發才更有趣。

【結語】

剛開始我有提到常常會感覺到冒牌者症候群，覺得自己不夠格、不知道自己在做什麼、做什麼都好像只是學習的過程。但是這其實沒有關係，有時候就是要接受這一點。你要做你在乎的事情，這樣才有意義，你也能表達自己的想法，像是《喵的奇幻漂流》就算沒有錢領，我也願意全心投入。這部片雖然花了這麼久的時間，但我覺得一切都非常值得，我透過這部片跟他人建立起了連結，這非常重要。

去創作吧，去跟別人分享，就算不完美也沒關係，呈現自己的弱點其實很有幫助。創作永遠都不遲，像我也是很後來才開始做音樂，也沒有經過專業訓練，都是看YouTube 影片或 DVD 的評論學的。現在有這麼多工具，像是免費的Blender，任何人用很小的團隊和很低的預算就可以拍片，這實在很令人振奮。這會幫助某些尚未擁有成熟電影工業的地方也能夠製作電影，這也會讓不同類型的聲音得以被聽見，讓他們的經驗得以被分享。我們將見證在故事上與技巧上，形形色色、百家爭鳴的作品，這真的令人興奮。就算不是動畫師或電影人，我身為一個觀眾，想想都覺得興奮。這些媒材與技術帶來無限的可能，我很期待未來這些獨樹一幟的的作品，謝謝大家。